目前日期文章:200606 (17)

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《臥底INSIDE MAN》BY SPIKE LEE
完全是衝著SPIKE LEE的名號去湳山(我最常去的二輪戲院)看這部片子的。這多多少少帶著一點懷舊意味去面對SPIKE LEE。

當年想到紐約電影,可是一定會想到SPIKE LEE(可能有更多人想到伍迪艾倫吧!呵呵!)即便如此,面對SPIKE LEE的新作還是有點戰戰兢兢的,深恐SPIKE LEE的寶刀已老;還好這一切只是幻覺,SPIKE LEE還是超級厲害的啊,這樣超級商業題材的電影也可以拍得如此有味道。
既然一開頭就說了這是一個超完美銀行搶案計畫,難免就會有人找碴、問東問西的,像是【臥底(劇情討論)】這個討論串裡的反應一樣:有人閒這個「完美的計畫」太過於天真,也有人直呼看不懂,當然也有好心的人會小心翼翼地解釋導演細心的安排,例如較常出現的謎團:搶匪總共有幾人?挖洞作甚麼?為何要耍弄人質搶匪交換把戲?FOLLOW THE RING
的目的是甚麼?一方面幫忙解答,另一方面有怕洩漏太多劇情,變成討論串地雷。
雖然我愛看偵探小說,但我一向不是很好的解迷專家,也不太會追究這種超完美計畫的bug(反正認真地去談,應該都會有很多意外),對於個人而言,不論有無安排意外的劇情,好像都不會影響電影的好看程度。那我為何會看得如此高興呢?大概就是一直蘊藏在SPIKE LEE電影裡,濃濃的紐約風采!
常常聽到有人說:這部電影真是漂亮地表現了紐約的風采;紐約就是這麼一個奇妙的都市,在許多電影作者的巧手下,展現出多變的風貌;像是多小姐的網誌【曼哈頓-請準備好遇見紐約式浪漫 】裡提到伍迪艾倫所描繪的白人、中產階級、碎碎念、人際關係總是緊張的紐約曼哈頓;《SEX & CITY》裡,中產階級富裕熟女多采多姿卻又疏離短暫的情感生活;甚至是《13TH FLOOR》裡濕淋淋的晦暗或是《CSI:NY》裡陰沉犯罪世界(或許可以延伸到以前所提到勞倫斯.卜洛克史卡德系列《繁花將盡》】)。
SPIKE LEE一向重視種族問題,他的紐約人際關係也幾乎建立在種族關係之上。紐約的種族問題,不同電影所表現出來的差異也讓人玩味不已;從《紐約黑幫》的愛爾蘭v.s.義大利,演變到SPIKE LEE《Jungle Fever》的黑白問題,或是一些警匪片裡亞裔青年黑幫的出現(中國、越南、韓國);在《INSIDE MAN》裡,種族所涵蓋的範圍又更廣了, 很明顯地,在《INSIDE MAN》裡,黑人不在是底層社會的一環了,雖然銀行家、猶太人、茱蒂福斯特的白人女性精英還是高來高去,但是身段靈活的丹佐也差不到哪裡去,反倒是大量出現俄羅斯、中亞、東歐、舊南斯拉夫、錫克教徒(聽說紐約計程車司機很多是錫克教徒)................讓局面變得複雜;這已不在是 SPIKE LEE過去電影單純的二元對立:剝削與被剝削,《INSIDE MAN》的紐約早已經是多元種族的複雜狀況。
SPIKE LEE將這種多元種族複雜性巧妙地安排在一些劇情橋段:大家經經樂道的「原來是阿爾巴尼亞總統演講」橋段:從俄羅斯語猜到保加利亞、塞爾維亞,丹佐說了一個很巧妙的話「熱狗小販一定知道這是甚麼語言!」聽到這句話就不禁笑了出來。

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之前在【Blind Faith - Do What You Like】曾經提到,籃調搖滾在Art Rock、Progressive Rock及Classical Rock等發展上逐漸朝向長時間編曲的方向前進,這成果可以在【聽King Crimson 的21st Century Schizoid Man】裡聽到。這種長時間編曲的風潮不僅僅出現在Progressive Rock等脈絡,似乎許多樂團都想要挑戰這目標,也隨著音樂風格的差異,每個樂團所完成的大編曲常常有著令人驚艷的成果:

THE DOOR的《The End》:



THE DOOR這著名的老迷幻樂團,除了濃濃的迷幻藍調樂風之外,最令人懷念的應該就是主唱Jim Morrision的詩人唱腔和歌詞以及他因為嗑藥而死亡的事件(著名的1972年的3J嗑藥死亡事件)。有別於Progressive Rock著重於音樂實驗, THE DOOR的音樂更重視意境(迷幻、文學的);《The End》歌曲快結束的地方,Jim Morrision唱道:
「Father, yes son, I want to kill you
Mother...i want to..............................」
《The End》歌詞

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《FIONA出賣高潮》

我是在2000年的時候看了這部影片的DVD,錢陣子在亞藝找片子當資料的時候,有看到這影片,讓我想起以前寫的東西:

台灣的片名翻譯是 《出賣高潮》,符合台灣聳動式標題的需求。昨晚看完這部質樸的片子,真的很質樸,這種質樸建立了一種真實的感覺。
什麼樣的質樸呢?就像dogma影片那樣!DVD註解上說明,導演半個月拍完這部片子;另外,一些環境的Setting諸如演員的衣服、時代的空間感,也 未因劇情中時間的推演而稍作改變。甚至,Cast的Setting上,像是呈現一個重度吸毒抽煙的角色,或是一個變態的嫖客,或是一個歷經二十年滄桑的母 親,演員設定並未「細緻」地呈現劇中角色的設定。這些原本可以很容易注意的Setting,導演完全不去Care了;甚至也不是忽略。我看不出導演「刻 意」不去Care。
 手提機呢? 就如同「隱藏式攝影機」建立了一種「窺視」的視覺符號。手提機的搖晃鏡頭似乎也建立了一種「呈現真實」的視覺符號 (雖然我承認在 《兩根槍管》裡,搖晃鏡頭與呈現真實感完全沒有關係)。 就如同拉斯馮提爾的 《破浪而出》手提機的搖晃鏡頭再加上類似16mm粗粒子效果,這種dogma風格似乎更是加強「呈現真實」的視覺符號傳遞。
剪接呢? 某種程度上(我會這麼說,是因為我不確定也不認為需要確定) 與 《破浪而出》有點類似;大段落的卡接,再加上Title引出故事段落。
這種剪接手法就是營造我那模糊真實感的原因嗎? 還是說這樣的剪接加上這樣的攝影視覺再加上粗糙的設定就可以營造我所謂的真實感?似乎不是,我想討論的是真實感嗎? 我也不確定!
我能確定的是:看完之後,一陣不舒服感催促我去思考,我無法享受地去感覺觀後感;即使我用〔繼續觀看〕來沖淡這個觀後感,不舒服感還是在的!
我不想評論,也無法去享受觀後感,我只能思考。我能思考些什麼呢?我能從什麼樣的基礎進行思考呢?我那些模糊不清但又環繞不去的印像究竟是什麼呢?

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這是押井守1985年的老片子了!押井守票房毒藥的稱號可能就是從這部動畫開始的!
我想看過《天使之卵》的人可能比《御先祖樣萬萬歲》還要少吧!下面放映的是無字幕版本,這部動畫的對白是出奇的少,或許有心人可以在網路上搜尋到中文字幕;之前曾經就這部動畫作過分析:【《天使之卵》-----古典符號分析的演練】。


押井守的粉絲應該還不少吧!希望可以對這部動畫也有著觀看的興致。

這篇文章是我在1994年和同學的討論所遺留下來,竟然還可以在網路搜尋得到,真是太另我訝異了:「天使之卵的解釋....」。剛剛搜尋到的時候,還記不得是自己寫的,只覺得竟然還有人對《天使之卵》有興趣,真是太高興,看著看著才發現這語氣和筆法好熟悉,會不會是自己寫的?一直看到簽名HSF(這是我好幾年前慣用的縮寫),才確定下來。
網路真是太有趣了。
我自己都已經遺失這篇文章,雖然看起來很原始的想法,但有些想法自己都忘記了,還是趕進紀錄一下:

這是一個與諾亞方舟有關的故事;片中出現的大鳥屍骸與大樹,就是那 隻尋找陸地的鳥與它所銜回的橄欖樹枝。 而片中所出現的生命、 人、 鳥與巨卵 (在片頭已有雛形的卵) 與樹都是 這始祖的鳥與樹的後代。

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碧玉Bjork的MV:



我個人一直沒有辦法習慣碧玉的音樂,總覺得她的聲音尖銳的好可怕;而碧玉的表現方式也總是讓我有疏離不認同的感覺,像在《黑暗中漫舞》那個角色,我總是希望是由愛密莉華森來擔當;碧玉的眼神看起來太聰慧了,從她的眼睛透漏出來的狡詰,完全不像是她所飾演的角色會顯現的,更不用說會表現出為人犧牲、壓抑自己的行為。
或許碧玉太有才華太有智慧,以至於不能完完全全地融入角色當中,但不可否認的,碧玉是個具有多樣性的藝術家;碧玉音樂的MV都像是一場場表演藝術,超越了輔助音樂的地位,而具有本身的意義。這點我是很佩服碧玉的。
第一首MV就顯現了驚人的意含:從自己乳房所漫延出紅色絲帶,將自己捆綁起來。
會開始整理碧玉的MV,是因為在PCDVD上的討論串:【【MV欣賞】區】當中,有位網友問道一個胎兒開口唱歌的MV,那位網友以為是碧玉的MV;我看了胎兒開口唱歌的描述,深感興趣,因而在YOU TUBE上搜尋出這些MV。 (後來倒是這位網友自己找到這Massive Attack了,呵!)


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當眼球的視線像蜘蛛網一般地往外蔓延,
外在世界的網絡也像毛毛蟲一曲一曲地攀爬過來!



究竟是眼睛指揮著手,
還是...........手自己有了靈魂,不再在乎眼球的訊息!



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《The Mystery Of The Leaping Fish 》1916 BY TOD BROWNING:



《The Monster Show》這本描述恐怖電影文化史的書籍以Tod Browning作為文章開場的導演,一方面是因為他製作出賣座的吸血鬼電影《Dracula》(另外一位齊名的就是James Whale的《Frankenstein》),另一方面Tod Browning也製作出極具爭議的《FREAK》(像藍藍的MOVIE BLOG的文章【爭議二十五】裡所提到的:Entertainment Weekly所選出的25部爭議電影,《FREAK》排名17)。
雖然《Dracula》和《FREAK》都是關鍵性的電影作品,一個是賣座的幻想式恐怖電影,一個真實且引起爭議的電影;然而就《The Monster Show》的副標題來說:A Culture History of Horror,Tod Browning的生平歷練似乎是更具象徵意義的。
在書中,Tod Browning生平被簡單地切割成兩大過程:馬戲團的流浪巡迴表演生活以及經由格里菲斯(《一個國家的誕生》)引介進入美國電影生產體系;這兩個過程可說是被用來象徵性說明恐怖電影的發展過程,尤其是馬戲團這段表演生活的獨特經驗對這本書來說更為重要。
如同所有介紹關鍵人物的傳記文章一般,這本書也指出Tod Browning從小就具備表演的熱誠和天份;然而和那種述說偉人從小就會從魚兒逆游而上來悟出偉大道理的神奇故事不太一樣,這本書主要想要指出的是:Tod Browning從小就能體察出甚麼樣的表演會吸引觀眾,以賺取較多的門票收入。這Tod Browning幼年的小故事點出一個本質上的特性:當時的恐怖電影是為了吸引觀眾的特殊題材;並不是像Diane Arbus或蘇珊宋塔那樣是當作一個嚴肅藝術或是文化理論來看代。關於Tod Browning的幼年,或許這本書真正想說的是:Tod Browning具有追求賣座娛樂事業的熱誠和本能。此時馬戲團的巡迴表演經驗就成了重要的迷霧明燈。
Tod Browning會進入馬戲團的表演領域,只是為了一個很單純的理由:他想要追求馬戲團裡的女演員,因此無畏於馬戲團巔波流離的表演生活,毅然決然地離開家鄉,進入馬戲團裡打雜以接近那位女演員。就以一般追求穩定的人來說,這行為真是太瘋狂且愚蠢,不過換個角度來說,SHOW BUSINESS不就是需要這樣的瘋狂浪漫的個性才有辦法在僵局當中打開一條血路嗎?(當然,就邏輯上來說,有了瘋狂浪漫的行為個性不一定會打開血路)
這態度讓我想起一件事情,記得幾年前一群喜歡電影的朋友聚會,聊到台灣電影的困境以及想關影視製作體系的工作艱困,有個不太熟的朋友說道,他知道在台灣影視製作的教育體系裡,是學徒制而非專業學科訓練,雖然他很想進入拍電影的領域,可是又不願意在目前台灣影視製作體系當中被嚴重剝削。雖然我心理想的是:「難不成要別人都幫你準備的好好地,讓你開開心心地創作?」然而,我只能不置可否地問,那你打算怎麼作呢?

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自從知道CULT電影這樣的次文化風潮之後, 就開始有意無意地注意這方面的資訊。最近因緣際會得到兩本和CULT電影有關的書:
一本是在聯經上海書店聯經買到的 David J. Skal的《The Monster Show魔鬼秀》簡體中譯本。一本是朋友推薦的《Midnight Movies》。

The Monster Show魔鬼秀

由於我對CULT電影不是那麼熟悉,還在啟蒙階段,沒有辦法一口氣閱讀完或是寫成一篇心得網誌,所以先把這本《The Monster Show》納入讀書計畫,預定將各階段的讀書進展轉化成不同的網誌,並在這篇網誌裡彙整在一起,希望這讀書計畫能夠成功。
The Monster Show》在前幾個章節是以女攝影家Diane Arbus受到TOD BROWNING的《FREAK》影響來帶出HORROR這個主題,隨後指出TOD BROWNING在馬戲團工作的經驗,以及1920《卡里加利博士小屋》對美國電影的影響。整理一下《The Monster Show》裡當時一些事件在時間順序的邏輯:

a.美國早期馬戲團或雜耍表演常常以畸形人來作為表演重點,像是侏儒、三條腿的人,沒有雙腳用爬行的人;甚至是TOD BROWNING自己表演的活死屍魔術。

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今天來看四個姑且稱之為視覺系的CF,因為都有些視覺上得特殊點讓人印象深刻:
1.SHISEIDO UNO:

->。載點。

頭兩個SHISEIDO UNO男性髮品的CF,可以進一步稱之為達人型的CF。這CF的slogan是:Draw your style,但這兩個CF並沒有像一般強調HAIR STYLE的作法,反而藉由一個高難度的繪圖方式來強化DRAW這個動作。個人覺得這是非常聰明的方式。
日本似乎一直都很尊重某些特殊技能的達人;仔細瞧瞧,這兩個CF所繪出的HAIR STYLE並不是非常特殊厲害,可是轉變巨大繪圖的方式,就覺得這個人好厲害,這樣巨型繪圖的方式也可以畫得這麼好;更不用說還有一些見不得別人好的人來惡搞一下(這笑點還不錯)。
這視覺特殊點並不只是一個效果,搭配slogan產生獨特的意思。

2.SHISEIDO UNO:

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Death in June:《HEAVEN STREAT》FROM『The Guilly Have No past』


每隔一陣子,就會不自主地將ITUNES調到REGILION這個類別,我REGILION類別的音樂並不是福音音樂或是佛教音樂,而是偏向某些神秘宗教式的音樂;曾經有段日子,我嗜聽這樣的音樂,不過這樣的音樂很容易將腦袋充溢著異樣的能量,以至於沒有辦法持續聽下去,必須休息一陣子,放空腦袋之後,再回來聽這樣的音樂。
下面的文字很久了,用來紀念一下當時聽這首音樂的心情。回顧一下自己對音樂的看法;從重金屬的愛好者轉變成punk,也許不算是太大的轉變;可是從punk再度轉成對黑暗音樂的愛好,或許值得進一步思考.

我實在不確定這張Death In June,是不是就是我一直期盼的「六月的死亡」!
如果,死亡真的來臨,我會怎樣呢??
也許,我會興奮地語無倫次!也許,我會極力壓抑這股興奮而顯現異常的冷靜。

我一直不清楚我是如何開始因著所謂的搖滾樂而感動;我只記得十年前,一堆的三星、翰江盜版錄音帶,是我唯一的音樂來源;不斷地閱讀著錄音帶中,方無行這些人所寫的搖滾史,不斷地建立起我自以為是的搖滾!

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今天放輕鬆點,來看一些動畫風格的MV。MV是用以詮釋音樂、表現音樂這樣的說法似乎是陳意過高,畢竟MV主要目的還是行銷音樂;表現藝人、吸引FANS這樣的作法比較能事倍功半。另外,在如此眾多的MV裡,要有鶴立雞群的強烈效果,混合特殊視覺風格和表現藝人兩種模式似乎是當下MV的主要配方;也因此MV在故事結構上通常比較鬆散的:「強調視覺印象、強調藝人表現」的重要性遠優於故事敘事結構。(換個角度說,MV所完成的是故事印象度而不是故事敘事的完整度)
目前動畫的發展有著多樣的視覺風格,MV採用動畫模式有其產生『特殊』效果的好處。下面五個動畫模式的MV,在結構配方上,如上面所說:採用五種動畫視覺風格加上藝人表現。畢竟MV是行銷音樂,不是動畫表現的實驗,這五個MV的動畫風格個別看來並不算十分特殊;但是有著五種完全不同的動畫視覺風格,可以用來當作參考資料。

1.Radiohead《I Might Be Wrong》:(2D簡單線條動畫)
在這五個MV當中,這Radiohead MV的動畫風格算是比較實驗性格的。陰鬱暗沉的畫風為Radiohead染上一股濃厚的文化深度,似乎也能進一步詮釋音樂。個人覺得這個MV相當成功。


(感謝網友AREC在PCDVD裡的推薦)

2.MERCURY《REV IN A FUNNY WAY》:(偶戲)

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我一直將網誌上的文章轉貼到論壇PCDVD上,心理的想法就是,那邊的能人異士能夠引伸出更多我不了解的事情 。
果然在【【MV欣賞】區】這討論串裡,網友AREC引伸出「肯尼斯安格(Kenneth Anger)」的作品:1964年《天蠍座升起Scorpio Rising》和1947年《煙火Fireworks》。
我對這位導演和這兩部作品都不熟悉,沒有辦法說甚麼。還好AREC附註了聞天祥老師在中實電子報的文章:【浮世繪電影俱樂部】簡單介紹了 Kenneth Anger。

下面的Playlist裡有《Scorpio Rising》《Fireworks》這兩部作品:1~2是《Fireworks》,3~5是《Scorpio Rising》



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今天在BLOG 【視體撞擊】看到這篇關於誠品紀錄片影展座談會的文章:《座談 - 台灣尚未出現的紀錄片裡面有幾個關於紀錄片的說法還蠻有趣的,例如李道明老師所說的「寫實主義情節」或是郭力昕教授「濫情主義與去政治化-當代台灣紀錄片文化的一些問題」。(這篇網誌也附註了一篇:【台灣紀錄片之煽情主義與去政治化主義的結構性困境—由無米樂現象談起】)

我個人一直對紀錄片保持疏離的態度;一方面過去許多盛名的紀錄片,對我而言莫不流於「煽情主義」的範疇,這讓我個人非常難受;另一方面,面對那些眾多社會不公題目的紀錄片莫不牽涉到自身的政治立場,我自身對政治的疏離(網誌【性手槍的 Anarchy In The U.K】裡面提到的),也導致這般對紀錄片的疏離。這大概是我個人問題。

這邊另外附註一些關於島國殺人紀事2》的文章:
電影‧人生‧夢- 《島國殺人紀事》:到底誰殺了人?
司改會著作.法案-司改雜誌-重現全球殺人記事

我會注意到【視體撞擊】這篇網誌文章就是因為裡面提到了《島國殺人事件2》,以前也曾注意到《島國殺人事件》這部關於蘇建和事件的紀錄片。

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上次在網誌【性手槍的 Anarchy In The U.K】聊到令人振奮的PUNK之後,原本想接續聊聊比較多一點點喜歡的POST PUNK;不過今天聽iTUNES的時候,又聽到一些古老PUNK音樂。
其實仔細想想,我對這些老龐客不算熟悉,大概都只有一兩張CD,常常沒有辦法好好的聽完一整張專輯(真是心虛啊!),很少會想要好好搜集齊全;但是有些單曲真是百聽不厭,可以拿來當作一整天的振奮曲,而且和現今的龐客樂團相比較起來,這些老龐客的音樂更粗糙更原始,對我來說,就是更龐客了。
「The Damned」、「Sex Pistols」和「The Clash」通稱為UK PUNK三大團;「Sex Pistols」的無政府虛無性格,「The Clash」的反政府態度(《The Clash》專輯裡的《London's Burning》),這些都使得PUNK有著超越音樂的力量。相對地,「The Damned」給我這樣帶有政治立場色彩的感覺比較少一點,比較偏向玩世不恭的形象。

Damned Damned Damned
The Damned的《Neat Neat Neat》(FROM《Damned, Damned, Damned》):



New York Dolls算是PUNK嗎?我ㄧ直搞不清楚,或許是這美式PUNK和UK PUNK的差異,讓我ㄧ直對New York Dolls和The Ramones兩個樂團沒那麼親近;反倒是這張專輯封面的裝扮模樣吸引著我,AMAZON上寫著這樣一段話:In 1972, when rock & roll was all but dead in Manhattan, five cross-dressing glam punks from the boroughs convened and began hammering out crude............................;不知道這股吸引力和《洛基恐怖秀》是否相同?

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2007.02.24補注:樓下未署名的大人所提供的位址,真是感謝:



會開始注意《FREAK》這部1932年的老片子,一方面是413在網誌【APHEX TWIN-Rubber Johnny】的推薦(這也引發另外兩篇網誌的產生:【生物科技對影像的影響(上)(下)),另一方面是在上海書店買到這本書: David J. Skal的《The Monster Show魔鬼秀》簡體中譯本。

 
《FREAK》在當時並不是現代所謂的獨立製作或是小眾電影,反而是大製片廠米高梅推出的電影;當時的背景是環球電影推出的 《Dracula德古拉》和 《科學怪人Frankenstein》賣座之後,其他大製片廠也想推出類似的影片,期望獲得票房;而 《FREAK》的導演TOD BROWNING也是 《Dracula德古拉》的導演,依照簡體中譯本p2的說法:這些影片都涉及了對病態、迷戀、畸形和殘毀問題
Tod Browning 』這傳記裡也指出TOD BROWNING是James Whale之後1930s 最有名的Horror Film Directors。然而《FREAK》似乎超過一般人能忍受的範圍,根據這本書的說法(p2):米高梅電影否認和《FREAK》的關係
這段過程讓我回想起前一陣子在電視上看到 《魔山The Hills Have Eyes》製作花絮時,《魔山》的製作人說道:電影興起一股極限主義來挑戰觀眾所能能忍受的限度。(這裡的『極限主義』意義和視覺藝術或是音樂上的極限主義不太一樣)。

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1.

->。載點。

UPS找尚雷諾代言的這系列廣告,一開始吸引我的原因,只是很單純地因為我喜歡尚雷諾的演技。
在尚雷諾演過許多種類型的片子當中,我最喜歡的還是他和老搭檔盧貝松合作的《最終決戰》和《LEON》(一個是壞人角色,第二個是悲劇殺手)。
尚雷諾在這部UPS CF裡對著嬰兒時期的自己對話,那模樣就有上面那兩片子的那股味道:憨憨又有點自嘲。尤其嘲笑自己鼻子的結尾,有股回馬槍的韻味。
雖然我很喜歡尚雷諾,但是依然懷疑快遞類這樣B2B強調理性效率的產業,明星代言是否真的有效?或者亞洲裔國際巨星是否更有效?但至少這兩支 尚雷諾代言的UPS CF非常吸引人注意!

2.

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刺殺尼克森 The Assassination of Richard Nixon
導演:Niels Mueller
編劇:Niels Mueller
演員:西恩潘 Sean Penn、娜歐蜜華茲Naomi Watts、唐奇镀 Don Cheadle


這部影片,光是看西恩潘的演技,就值回票價了!

先看一下一般報導都怎麼描述這部電影的題材:(摘自【刺殺尼克森】
《刺殺尼克森》內容描寫美國70年代,山姆畢克(西恩潘)的分居妻子瑪麗(娜歐蜜華茲)的感情越來越冷 淡,事業又失意,畢克將希望寄託在他與好友的貸款計畫上,然而離婚通知書與貸款申請駁回通知相繼寄達,對山姆造成重大打擊。山姆決定以一個驚人之舉,消滅 世界上所有的不公平……。

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